Combining music with the other arts has been attempted frequently, but a true and complex qualitative leap was effected only with the advent of interdisciplinary modernism; little by little, the representations that originally involved the activities in the fields of music composition, literature, dance and theater were enlarged in scientific dimensions thanks to the advent of a number of virtual arts fostered by technology and progress: in particular, a new type of theater and new modes of representation, previously denied, were also formed, resulting in to established, today, to an omniverous and social concept of multi-media “work”.
The combination of many elements from different artistic disciplines has always created difficulty for an objective critical approach: as you might think of the composer of electronic music in the sixties, who gradually confused his role with that of a computer technician, the works that shared multiple manifestations of art, have clarified the growth of the skills of composers, who have learned new paths, thanks to the integration of the observations between actors of different branches. It is not a minor problem, because especially in the music that we now call “contemporary”, we are still unable to find a structure that can provide relevant critical viewpoints that are not misleading at the same time. One critic conversant with difficult painting is unlikely to have the same points of view of an interdisciplinary critic, because the latter is concerned to create convergences among the different arts: of course, the easiest thing is to analyze the total product from a single point of view, and then find connections in the crevices of the other arts.
“Grace Notes” is a conception based on the complete and transparent intersection of the arts apparently opposed to the senses. The main author of the project, the Mexican composer Arturo Fuentes (1975), is inspired by the “American lessons” by Italo Calvino, the “Six memos for the next millennium“, in which the writer theorized on some values of literature that would be guides for literary writing of the future: lightness, quickness, exactitude, visibility, multiplicity and consistency (unfortunately this last never completed). Fuentes, a young composer quite interested in the dynamics of the “movement”, built this experience of trans-disciplinary composition with choreographer Chris Haring (he was awarded at the Venice Biennale in 2007 for a performance of Posing B – The Art of Seduction) sharing the thought and its results: for both the artists, the “benefits” required by Calvino are applicable to their fields and they pay a tribute to a form of extemporaneous musical theater in which are combined the perspectives of a musician and a dancer. Kairos R., in an undertaking rare (because the modern theater’s performances do not pass from a physical document) and intelligent (because we have the opportunity to “participate” virtually in works for which no popular market exists), has transfered to DVD an exhibition of the opera from a performance of the Wien Modern Festival. The music is entrusted to some elements of the Phace ensemble with three dancers / choreographers of Liquid Loft (1); in addition, at the end of the realization, Gunter Brus, famous pioneer of Viennese Actionism, adds some texts about the significance of the time (2).
So we have a scenario of original recitation with elements of correlation, in which the musicians do not play a note belonging to the syntax of ordinary music, and the dancers do not perform a coordinated movement in the practice of conventional dance; we can “see” convoluted sounds, obtained following the rules of ornament and of extended techniques (sax is played with objects in the bell, the ride cymbal is rubbed in shrill circularity, cello assumes percussive functions): they are used to provide “energy” of movement and character to the dancers, who simulate a version of schizoid humanity. The music is captured by the dancers, but at some point even the musicians are employed in stage movement. This isn’t dramaturgy but, as stated in the internal notes by Fuentes, a “sound script”, the search for a “total sound” that is in the instruments (including non-acoustic instruments), in the rustle of the microphones smeared on the body, in the game of lights and objects used (a chain of a bike or the keys of a typewriter), in the air raised by the dancers and in the speeches of the simulation of the elements of Calvino.
It’s very likely that all value judgments will be addressed towards a kind of performance art, because you have to activate neural cells that trigger associations, but in reality this is a celebration of music; long ago, Kagel showed in his work that the strength of the music should be somewhat prevalent, and here, in the Grace Notes, it seems that the principle is maintained by implementing a different procedure, in which the sounds must be discharged in expression after they have undergone a rapid process of overcoming of inhibition.
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(1) The ensemble Phace is here composed of saxophonist Lars Miekusch, percussionist Berndt Thurner, cellist Roland Schueler, bassist Maximilian Olz; while Liquid Loft is here composed of Luke Baio, Stephanie Cumming (co-founder of the group), Ian Garside.
(2) Actionism was a form of painting in which the canvas is replaced by the human body and by the broken and desecrating actions of the painter.
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E’ da molto tempo che la musica ha tentato di combinarsi con le altre arti, ma un vero e complicato salto di qualità si è avuto solo con l’avvento del modernismo interdisciplinare; a poco a poco, le rappresentazioni che in origine prevedevano attività limitate ai campi della composizione musicale, della letteratura, della danza e del teatro, furono ampliate in dimensione scientifica grazie all’avvento di una serie di arti virtuali impostate dalla tecnologia e dal progresso: in particolare si formò anche un nuovo teatro e nuove modalità di rappresentazione diniegate prima, per arrivare, oggi, ad un famelico e sociale concetto di “opera” multimediale.La combinazione di tanti elementi provenienti da discipline artistiche diverse ha da sempre creato anche una difficoltà ad un oggettivo approccio critico: così come successo per il compositore di musica elettronica negli anni sessanta, che col tempo confuse il suo ruolo con quello di un tecnico informatico, anche le opere o il teatro condiviso da plurime manifestazioni d’arte, hanno acclarato la crescita delle competenze dei compositori, che hanno imparato del nuovo, grazie all’integrazione delle osservazioni e dei contatti tra attori di rami differenti. Non è un problema di poco conto questo, perché specie nella musica che noi oggi definiamo “contemporanea”, non si riesce ancora a trovare un assetto critico in grado di fornire punti di vista rilevanti e non fuorvianti al tempo stesso. Un critico addentrato nella pittura difficilmente avrà gli stessi punti di vista di un critico interdisciplinare che si occupa di far quadrare le convergenze artistiche: naturalmente la cosa più semplice è analizzare il tutto da un singolo punto di vista, per poi trovare raccordi negli anfratti delle altre arti.
“Grace Note” è un concepimento basato proprio sull’intersezione completa e trasparente di arti apparentemente opposte nei sensi. Il principale ideatore del progetto, il compositore messicano Arturo Fuentes (1975), trae spunto dalle “lezioni americane” di Italo Calvino, le “Six memos for the next millenium“, lezioni in cui lo stesso teorizzava su alcuni valori della letteratura che sarebbero stati le guide per la scrittura letteraria del futuro: leggerezza, rapidità, esattezza, visibilità, molteplicità e coerenza (purtroppo quest’ultima mai ultimata). Fuentes, giovane compositore parecchio interessato alle dinamiche del “movimento”, lega questa esperienza di composizione trans-disciplinare con il coreografo Chris Haring (fu premiato alla Biennale di Venezia nel 2007 per una perfomance di Posing B – The art of Seduction) condividendo il pensiero e i suoi risultati: per entrambi le “prestazioni” richieste da Calvino sono applicabili nei loro settori di appartenenza e pagano un tributo ad una forma di teatro musicale estemporanea, in cui si fondono le prospettive di un musicista e di un danzatore. La Kairos, con un’operazione rara (perché le moderne esibizioni teatrali non passano da un documento fisico) ed intelligente (perché dà la possibilità di “partecipare” virtualmente ad opere per cui non esiste una dimensione popolare), ha sistemato in un dvd l’esibizione effettuata nell’ambito del festival Wien Modern, ed affidata ad una tratta dell’ensemble Phace con tre danzatori/coreografi del Liquid Loft (1); inoltre alla fine della rappresentazione viene coinvolto Gunter Brus, famoso pioniere dell’Actionism viennese, che detta in disparte alcuni testi sul significato del tempo (2).
Ne deriva una recitazione autoctona e di correlazione, in cui i musicisti non intonano una nota appartenente alla sintassi ordinaria della musica, così come i ballerini non effettuano un movimento coordinato nella prassi della danza convenzionale; i suoni contorti ottenuti seguendo le regole dell’ornamento e delle tecniche estese (il sax è suonato con oggetti nella campana, i piatti vengono strofinati in circolarità stridula, il violoncello assume funzioni percussive) servono per dare “energia” di movimento e carattere ai danzatori, che ne simulano qualcosa in una versione umana schizoide. La musica si avverte tramite i danzatori, ma ad un certo punto anche i musicisti vengono impiegati nel movimento scenico. Non c’è drammaturgia, ma, come dichiara Fuentes nelle note interne, un “sound script“, la ricerca di un “suono totale” che sta negli strumenti (anche non acustici), nel fruscio dei microfoni strisciati sul corpo, nel gioco delle luci e degli oggetti utilizzati (una catena di una bici o i tasti di una macchina da scrivere), nell’aria sollevata dai danzatori e nei discorsi finalizzati alla simulazione degli elementi di Calvino.
Ne deriva una recitazione autoctona e di correlazione, in cui i musicisti non intonano una nota appartenente alla sintassi ordinaria della musica, così come i ballerini non effettuano un movimento coordinato nella prassi della danza convenzionale; i suoni contorti ottenuti seguendo le regole dell’ornamento e delle tecniche estese (il sax è suonato con oggetti nella campana, i piatti vengono strofinati in circolarità stridula, il violoncello assume funzioni percussive) servono per dare “energia” di movimento e carattere ai danzatori, che ne simulano qualcosa in una versione umana schizoide. La musica si avverte tramite i danzatori, ma ad un certo punto anche i musicisti vengono impiegati nel movimento scenico. Non c’è drammaturgia, ma, come dichiara Fuentes nelle note interne, un “sound script“, la ricerca di un “suono totale” che sta negli strumenti (anche non acustici), nel fruscio dei microfoni strisciati sul corpo, nel gioco delle luci e degli oggetti utilizzati (una catena di una bici o i tasti di una macchina da scrivere), nell’aria sollevata dai danzatori e nei discorsi finalizzati alla simulazione degli elementi di Calvino.
E’ molto plausibile che tutto il giudizio di valutazione congiuri verso una sorta di art perfomance, poiché si devono attivare cellule neurali che scatenano associazioni, ma in realtà questa è una festa della musica; Kagel indicava tempo fa nel suo progetto teatrale come la forza della musica dovesse essere in qualche modo prevalente, e qui, nelle Grace Note, sembra che il principio venga mantenuto attuando un diverso procedimento, in cui i suoni devono scaricarsi nell’espressione non prima di aver subito un processo rapidissimo di superamento dell’inibizione.
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(1) L’ensemble Phace è qui composto dal sassofonista Lars Miekusch, il percussionista Berndt Thurner, il cellista Roland Schueler, il contrabbassista Maximilian Olz; mentre il Liquid Loft è qui composto da Luke Baio, Stephanie Cumming (co-fondatrice del gruppo), Ian Garside.
(2) L’Actionism è stata una forma di pittura in cui alla tela si sostituisce il corpo e le azioni scomposte del pittore.
